‘Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro’: El Museo del Prado acoge el prodigioso espectáculo de la escultura policromada | Cultura

El pintor Francisco Pacheco, suegro de Velázquez, afirmó que la escultura es vida coloreada. El artista Antonio Palomino enriqueció la idea diciendo que cuando la escultura y la pintura se unen crean un espectáculo prodigioso. Sin embargo, durante demasiado tiempo, los teóricos del arte y los museos han despreciado la escultura policromada. En el caso de España y sus virreinatos, se ha vinculado al adoctrinamiento y propaganda de la Iglesia católica, patrocinadora y propietaria de una inmensa parte de estas esculturas. El Museo del Prado ha decidido acabar con todas las reticencias dedicando una auténtica superproducción teatral al centenar de imágenes multicolores que protagonizan Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Orouna sorprendente exposición realizada en colaboración con la Fundación Axa que podrá verse hasta el 2 de marzo en las salas A y B del edificio Jerónimos. La arquitecta italiana Monica Boromello diseña la espectacular escenografía teatral sobre la que discurre la exposición.

Manuel Arias, jefe del Departamento de Escultura del Museo del Prado, con 30 años de experiencia al frente del Museo San Gregorio de Valladolid, ha organizado la exposición con la intención de dar a la escultura policromada el papel que se merece dentro del arte español. “La pintura y la escultura”, explica Arias, “nunca han sido mundos estancos. En el ámbito hispánico, el bulto, el volumen y el color conformaban una sola obra, generalmente realizada sobre madera”. Los artistas solían diversificarse: unos esculpían y otros pintaban esas esculturas, pero también había algunos, como Berruguete, que se hacían cargo de todo el proceso. Entre las abundantes obras anónimas destacan los nombres de maestros como Gaspar Becerra, Alonso Berruguete, Gregorio Fernández, Damián Forment, Juan de Juni, Francisco Salzillo, Juan Martínez Montañés o Luisa Roldán, conocida como La Roldana.

El primer tramo del extenso recorrido comienza en el mundo clásico, en el que se coloreaba la escultura de mármol, como lo demuestran las últimas tendencias en restauración que se pueden admirar en museos tan destacados como el museo arqueológico de Atenas. Las esculturas pintadas de Diana y Apolo en un taller pompeyano o la vaca de mármol blanco de un taller romano muestran restos de otra vida en las que lucieron brillantes colores. El blanco prevalece cuando el arte renacentista se centra en el mundo clásico, pero aquí las imágenes certifican que no sólo tenían una vida coloreada, sino que incluso tenían ojos en los pequeños agujeros que conservaban. No se sabe si también tenían dientes, cabello, uñas y pestañas y toda la panoplia de postizos que se les añadieron durante el esplendor del Barroco.

El discurso sobre el arte que se apoderó de iglesias y conventos a lo largo del siglo XVII sigue dando protagonismo a las leyendas que rodeaban a las figuras que podían contemplarse sobre lienzo o madera. Un ejemplo es la Virgen de Valvanera, patrona de La Rioja, que lleva en brazos a un Niño Jesús que mira de frente. Según la tradición, el niño rechazó la visión de una pareja que intentaba procrear sobre la hierba de la montaña. Fue la condena contundente de las relaciones sexuales que se dictaban desde los púlpitos y que los artistas, convertidos en médiums, transformaban en obras que oscilaban entre la amenaza y la belleza.

Este papel de los artistas como transmisores de los deseos divinos se reforzaba con la oración permanente mientras se realizaba la obra. El comisario dice que mientras Gregorio Fernández esculpía por encargo de la cofradía de la Vera Cruz de Valladolid El Señor atado a la columna.Obra maestra del Barroco, considerada un gran ejemplo de representación escultórica de Cristo, todos los miembros de la Cofradía rezaban ininterrumpidamente.

El ‘Cristo de Burgos’ articulado

Otra figura esculpida por la oración es la Cristo de Burgos, que llama la atención desde lejos por sus faldas de terciopelo y por los moretones que hablan de sufrimiento en todo su cuerpo. Realizada por Mateo Cerezo el Viejo a mediados del siglo XVII, se trata de una escultura articulada, cuyos brazos y piernas pueden moverse y luce todos los postizos posibles en este tipo de obras: ojos, dientes, uñas. La leyenda dice que el cabello y las uñas crecen como los de un humano. Debajo de la cruz hay tres huevos de avestruz que, según se dice, los regaló un comerciante después de un viaje a África. Mientras que el cruce entre distintas esculturas de la Virgen de la Soledad, ataviada con sus mantos de terciopelo negro y con lágrimas de cristal incrustadas en su rostro, tiene como contrapunto la pintura al óleo. La Virgen de la Soledad (hacia 1665), atribuido a Sebastián Herrera Barnuevo.

El conjunto de espejos diseñado por Boromello da lugar a la instalación de un paso de Pascua completo: Tengo sed (1612-16), de Gregorio Fernández. En el conjunto escultórico, cedido por Valladolid, los malos que acorralan a Jesucristo tienen rostros deformes y terroríficos, y entre las falsificaciones destaca el labio leporino de uno o la boca desproporcionada y amenazadora de otro.

Junto a las obras virreinales (un altar guatemalteco, una virgen mexicana o varios ángeles napolitanos), la exposición da espacio a imágenes que rozan el sangre. es el caso de Cristo del Perdón, de Luis Salvador Carmona (1756); él Cristo de la Peña, esculpida durante el primer tercio del siglo XVII por Jerónimo Francisco y Miguel Jerónimo García, o la Ecce Homo (1673) de Pedro de Mena. Chorros de sangre y lágrimas con heridas supurantes pueden ser un espectáculo difícil de soportar.

De hecho, una versión reducida de este tipo de escultura, centrada en el drama sangriento, se expuso en la National Gallery de Londres en 2009, comisariada por Xavier Bray, y pudo verse posteriormente en Washington y, finalmente, en Valladolid. El público protestante reaccionó con interés y estupor a la vez, hasta el punto de que se registraron desmayos y se pegó en la puerta un aviso de que la exposición “podría ofender la sensibilidad del espectador”.

joyería de escultura

Mucho más agradable de contemplar es la obra de terracota policromada (perteneciente a las que se llamaban “joyas de la escultura”) de Luisa Roldán. El grupo representa Los primeros pasos de Jesús (hacia 1692-1704) y ha sido cedido por el Museo de Guadalajara. “La Roldana fue una gran escultora, que supo transmitir emociones a través de pequeños objetos”, dijo Arias durante la presentación de la exposición. “Aunque realizó esculturas de diferentes tamaños, estas pequeñas piezas realmente reflejan su importancia como transmisor de un mensaje muy específico. Es más íntimo. Son obras que, vistas de cerca, realzan su importancia”.

Hija del maestro escultor Pedro Roldán, Luisa inició su carrera artística en el taller de su padre. De su Sevilla natal se trasladó a Cádiz y, hacia 1690, a Madrid. Junto a su marido, Antonio de los Arcos, mantuvo una producción artística (barro, madera y piedra) que la llevaría a la Corte. La presencia de esta obra de La Roldana coincide con la exposición que le dedica el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, hasta el 9 de marzo.