Diez películas espléndidas para cinéfilos escondidas en Netflix | Cultura

No son las películas que nos suele recomendar la plataforma cuando la abrimos. Tampoco es fácil que el algoritmo los muestre en algún momento de la búsqueda. Pero son algunos de los más interesantes del catálogo de Netflix para los cinéfilos, para aquellos que buscan mucho más que películas de estreno y entretenimiento intrascendente.

Entre los 10 seleccionados, hay un puñado de títulos noveles de directores famosos como David Lean, Carol Reed y Claude Chabrol, curiosidades alejadas del cine de Hollywood, y un par de películas americanas de no hace mucho que, con los cambios sociales y nuevos gustos, han entrado en un injusto barbecho. Diferentes estilos, tiempos lejanos. Pero todos ellos de calidad. Ven y lee. Y luego, si te apetece, mira.

Cegado por el deseo (Más cerca) (2004), de Mike Nichols

Cuando se estrenó hace 20 años cosechó buenas críticas, estaba protagonizada por cuatro grandes actores de la época y estaba dirigida por Mike Nichols, uno de los nombres fundamentales del cine americano desde su espectacular irrupción con ¿¿Quién teme a Virginia Woolf?? y el graduado a mediados de los años sesenta. Sin embargo, pocos cinéfilos jóvenes lo saben hoy en día a pesar del reparto formado por Julia Roberts, Natalie Portman, Jude Law y Clive Owen. ¿Demasiado amargo, realista, crudo, directo, pesimista, amoral, elíptico y adulto para nuevos gustos? Basada en una obra del dramaturgo Patrick Marber, que adaptó su propia obra, Íntimamente (el pretítulo en español no podría ser más horrendo) abre con una hermosa pero dura canción de Damien Rice, La hija del sopladorcon estrofas desesperadas: “¿Dije que te odio? / ¿Dije que quiero dejarlo todo atrás? / No puedo dejar de pensar en ti.” Y lo que sigue es un cuadrilátero amor-sexual de cruda sinceridad entre un fotógrafo, un escritor, un médico y una camarera. Imágenes de amor roto, con Portman y Owen nominados al Oscar en las categorías de actor secundario.

En boca no (1991), de André Techiné

Si no fuera porque André Téchiné y Eloy de la Iglesia son muy diferentes en estilo y objetivos, lo que cuenta En boca no Bien podría tratarse de una película del cineasta español protagonizada por José Luis Manzano, su actor favorito. La ambición siempre tiene algo de ingenuidad, pero la del joven ignorante e impetuoso que deja a su familia en el campo para ganarse la vida en París sin saber hacer nada supera cualquier inconsciencia: decide ser actor, pero acaba matriculándose en un círculo de viejos homosexuales, caminando sobre el alambre de la prostitución y viviendo como una mujer burguesa madura con una madre parapléjica. En su novena película como director, Téchiné, un habitual de los cines españoles en versión original con películas tan importantes como los juncos salvajes y Alicia y Martínreflexiona sobre el estado de su sociedad mientras retrata el interior de un joven sin una pasión concreta en la vida, salvo comerla a bocados de la realidad.

La barrera del sonido (1952), de David Lean

David Lean ha pasado a la historia del cine por sus grandes guerras y sus epopeyas románticas (El puente sobre el río KwaiLawrence de Arabia, Doctor Zhivago…), pero empezó su carrera con películas mucho más íntimas, como reglas de la vida y Breve reunión. La barrera del sonido, también desde su primera etapa, tiene algo en cada una de sus vertientes: calma y espectáculo; la caricia y el brío. Como una mezcla extraña y primaria entre Elegido para la gloria y arma superiorla historia trata de ese momento en la historia de la aviación en el que se empezaron a utilizar modelos supersónicos y los pilotos superaban la velocidad del sonido. Y hay aventuras, pero también melodrama romántico, cine histórico y tragedia familiar. Al frente del guión, el reconocido dramaturgo Terence Rattigan, autor de El caso Winslow, Mesas separadas, El mar azul profundo y La versión Browningde los cuales se han realizado excelentes películas de todas las épocas.

Recuerdos de ayer (1991), de Isao Takahata

Cofundador del mítico estudio Ghibli junto a Hayao Miyazaki, Isao Takahata habla de la infancia desde la madurez, en una preciosa película con dos épocas: mediados de los años sesenta, cuando el protagonista retoza en 5º de primaria (tonos pastel, minimalismo y fondos apenas perfilados). ); y ya en los años ochenta, con una mujer de 27 años que abandona la ciudad para descubrir un entorno rural que el director dibuja de forma colorida y detallada. El creador del orgullo y la tristeza. La tumba de las luciérnagas (1988), apenas su trabajo anterior, no se sabe si compone un anime para adultos que los niños puedan ver, o una película para niños a la que los adultos le sacarán más provecho. En cualquier caso, hay parte de la infancia de cualquiera, desde la “primera y única tarta” que un padre nervioso le regaló a su hija, hasta la locura generalizada de los chicos con las chicas en el colegio. Como símbolo, ese momento fantástico en el que Takahata detiene el tiempo en la primera conversación que pueden tener un chico y una chica en torno al coqueteo, rematado con la onírica simbólica del ímpetu y la felicidad infantil.

Mejor… imposible (1997), de James L. Brooks

A mordaza Un cómic no apto para amantes de los animales abre la película. Siguen dos diálogos en los que el protagonista muestra su racismo y homofobia. ¿Incorrección política? Visto hoy, sí, pero en su momento no era más que una comedia de alto nivel de Hollywood con un aire de excéntricoUn ligero romanticismo y un toque extraño, que se convirtió en un clásico moderno. Así han cambiado los tiempos. También el cine. Sin embargo, el estilo elegante de James L. Brooks, su director, y el encanto de su trío protagonista resultan perdurables. El viaje hacia la redención de una persona socialmente insoportable y personalmente dolorosa, debido a su trastorno obsesivo-compulsivo, fue nominada a siete premios Oscar y ganó dos: para Jack Nicholson, que decidió retirarse en 2010, y para Helen Hunt, que incomprensiblemente cayó de la primera línea de Hollywood a un injusto sumidero profesional. Miserables como Melvin, el protagonista, pueden resultar divertidos si se sabe trazar la línea entre la búsqueda de entretenimiento cinematográfico y la de un panfleto moral.

el comisionado (1962), de Luigi Comencini

Tras la dureza del neorrealismo, durante las décadas de 1950 y 1960, la comedia popular italiana radiografió no sólo un país sino también una idiosincrasia, una forma de transitar la vida. En el comisionadoAlberto Sordi es un pelotero, ese individuo que trabaja demasiado en un lugar donde a nadie le importa un carajo. Erguido, riguroso y deseoso de un mejor puesto, el joven policía (aunque Sordi nunca pareció joven) se muestra testarudo en la investigación de un caso cerrado por el juez de instrucción tras el esfuerzo de los de arriba y con la indolencia de los de en medio: la muerte de un alto funcionario empresarial que acudía a orgías en la noche romana. Lo menos importante es el proceso de investigación. En la película de Luigi Comencini, director de la formidable montando un tigre y Todos a casalo relevante es el patético viaje por un país en el que, ya sea en una carrera de galgos, en una fiesta o en un funeral, siempre hay alguien que intenta aprovecharse de otro, alguien que también pondrá la mano para confraternizar en la mejilla. .

Mal de ojo (1962), de Claude Chabrol

Seis años antes Teorema de Pasolini, Claude Chabrol ensayó una especie de antecedente temático: el del intruso que entra en un microcosmos de aparente comodidad y felicidad con la intención de prosperar y, finalmente, destruirlo. El triángulo lo forman un joven y mediocre escritor francés que se gana la vida trabajando para revistas con reportajes sobre el antiguo enemigo y futuro aliado de Alemania; un famoso novelista alemán, esperanza de un nuevo país, traumatizado por la mentira de la reciente barbarie nazi; y su bella esposa, una francesa delicada y perfecta, pero con una mentira interior, interpretada por Stéphan Audran, entonces socio del director. En su sexto largometraje, más vanguardista que los iniciales el bello sergio y los primosChabrol ya avanza su gran tema: la hipocresía y falsa fachada de las clases altas. Abstracto e introspectivo, capturado por la voz en apagado y gracias a una banda sonora atonal, la película arde con hermosas secuencias al aire libre en el vértigo de la ciudad de Munich, al estilo documental, con personas reales como extras involuntarios.

centavo paraíso (1938), de Carol Reed

Huele a comedia de Ealing, pero en realidad llegó una década antes de que la mítica productora británica comenzara a facturar esas historias fantásticas comandadas por un sentido de comunidad, inquietudes sociales y cierta excentricidad. centavo paraísouna película de aprendizaje de Carol Reed, que a finales de los años 40 se consagraría como uno de los grandes nombres del cine británico con Larga es la noche, El ídolo caído y, sobre todo, el tercer hombrees una encantadora comedia de desencuentros con toques musicales, protagonizada por esa reconocible red de personas de cualquier parte del mundo llamada gente común. Con sus ilusiones, sus (pocas) certezas, sus avances y sus bocanadas de aire fresco. En este caso, el capitán de un viejo remolcador del Liverpool que descubre que ha ganado una fortuna en las quinielas, lo que les acerca a él y a su simpática pero cohibida hija a algunos de sus sueños. Sin embargo, como en el mundo seguirde Fernán Gómez, película hermana en la de la ilusión de un billete de premio para salir del hoyo, se descubre que no es el dinero el que da la felicidad, sino el propio interior y la comunidad que siempre te amó.

Al otro lado del viento (2018), de Orson Welles/ Me amarán cuando esté muerto (2018), de Morgan Neville

La verdad y la mentira, el triunfo y el fracaso, el genio y la dispersión, la luz y el crepúsculo, estuvieron siempre presentes en la carrera de Orson Welles. En sus películas y en él mismo. Cuando murió en 1985, los proyectos inconclusos se acumulaban. Uno de ellos, Al otro lado del vientofilmada entre 1970 y 1976 en momentos discontinuos, fue finalizada por parte del equipo original en 2018. Una obra vanguardista, experimental, volcánica y críptica. Una película dentro de una película sobre el último día de la vida de un viejo director de Hollywood que intenta atraer inversores para terminar su obra testamentaria. Ese director fue interpretado por su amigo John Huston. En realidad, es un espejo de sí mismo, un falso documental montado a golpe de hacha, que por momentos deslumbra y por momentos molesta, pero siempre estimula. Como complemento al montaje final, el documental Me amarán cuando esté muerto (frase a modo de leyenda urbana que Welles pudo o no haber dicho en vida) analiza el proceso de elaboración final de Al otro lado del vientoy reflexiona sobre la figura y el arte de Welles, genio de los accidentes.

El pistolero gentil (1952), Albahaca Dearden

Una de las primeras aproximaciones frontales al conflicto irlandés y al terrorismo del IRA. La película comienza con una magnífica secuencia de suspense en una estación de metro abarrotada, y no la suelta. Ambientada en plena Segunda Guerra Mundial, cuando los ingleses ya tenían suficiente con no ser invadidos por los nazis, El pistolero gentil Hace referencia desde su título al protagonista desencantado, interpretado por John Mills: “Mi problema no es la cobardía. Es difícil admitir que estás equivocado y condenar todas tus creencias. Es difícil darle la espalda a tus amigos y camaradas. «Hay mejores maneras de servir a tu país que morir por él». Por el contrario, su hermano pequeño (Dirk Bogarde), que lo idolatra, no está tan dispuesto a abandonar la violencia y los ataques. Una preciosa carta cinematográfica de intenciones políticas equidistantes en un territorio polarizado, con una espectacular fotografía de Gordon Dines de los paisajes irlandeses y los claroscuros de los interiores. Y una frase rotunda, no casualmente en boca de una madre: “¿No crees que el mundo acabará vomitando sangre con los cadáveres de jóvenes muertos?”