Incluso en la Edad de Oro del teatro musical, los espectáculos morían con tanta frecuencia después del intermedio que los críticos dieron un nombre a la enfermedad. Los “problemas del segundo acto” se presentaron de muchas maneras: canciones desatadas, cortes desesperados, crisis ilógicas, soluciones apresuradas. Sin embargo, todos esos síntomas del segundo acto surgieron de la misma condición subyacente: las ambiciones del primer acto.
Así que no es realmente sorprendente que un nuevo musical enormemente ambicioso como “Hell’s Kitchen”, la máquina de discos semiautobiográfica construida sobre la vida y el catálogo de Alicia Keys, decepcione después de la pausa a mitad del espectáculo, cayendo directamente en los baches en los que pasó su primera mitad. evitando tan inteligentemente. Lo sorprendente de este prometedor espectáculo, que se estrenó en el Public Theatre el domingo con la evidente intención de trasladarse a Broadway, es lo emocionante que resulta hasta entonces.
Sorprendente para mí, de todos modos. Encuentro que las máquinas de discos (especialmente las biográficas, como “Motown” y “MJ”) casi inevitablemente se suman a las dificultades ordinarias de la construcción musical con dificultades exclusivas de su procedencia. La participación de los artistas originales (o sus propiedades) conduce a un endulzamiento histórico. La prisa por alcanzar todos los puntos destacados da como resultado un currículum cuidadosamente seleccionado. Los recauchutados del catálogo, escritos por un motivo diferente, no logran hacer avanzar la acción. Y dado que esas canciones son el punto de venta del programa, terminan resaltando la historia.
Pero Keys, en colaboración con el dramaturgo Kristoffer Diaz y el director Michael Greif, sortea la mayoría de esos obstáculos en la primera hora del programa, preparando la historia con notable brío y eficiencia. En ordenada sucesión, presenta a los personajes principales (Ali, de 17 años, y su madre soltera, Jersey), el escenario principal (el barrio de Hell’s Kitchen en Midtown Manhattan a fines de la década de 1990), los parámetros de la trama (la sed de amor de Ali y el arte) y una fuente inminente de conflicto (mamá).
Al mismo tiempo, nos inunda de música para establecer los mundos a los que nos lleva, mucho más allá del R&B y el pop por los que Keys es más conocido. En una maravillosa secuencia de ascensor, Ali se topa con ópera, jazz, merengue y piano clásico mientras desciende del apartamento de un dormitorio en el piso 42 que comparte con Jersey, un actor ocasional que hace malabarismos con dos trabajos. (El edificio, Manhattan Plaza, ofrece viviendas asequibles para artistas). Luego, cuando Ali llega a la calle, una gigantesca ráfaga de sonido la envuelve; Al parecer, toda Nueva York está cantando, tocando y, en la emocionante coreografía contextual de Camille A. Brown, bailando.
Llevamos solo unos minutos del espectáculo y su armadura está completamente en su lugar. Sabemos que esta será una historia de amor y abandono entre madre e hija, mientras Jersey (Shoshana Bean, cálida y pirotécnica) intenta mantener a Ali alimentada y segura. Aunque la raza no es explícitamente un problema entre ellos, Jersey es blanca y Ali es birracial, y Ali (Maleah Joi Moon en un sensacional debut) se irá alejando gradualmente de la asfixia de su madre por el grupo más amplio de personas que conoce.
Una es la pianista clásica, Miss Liza Jane (la magistral Kecia Lewis), quien exigirá que Ali tome lecciones de ella, aunque en realidad Keys comenzó a estudiar a los 7 años, no a los 17. Y en la calle, al son de la canción de 2003. Después de «You Don’t Know My Name», Ali coqueteará con un baterista llamado Knuck (Chris Lee, dulce como un pastel) a pesar de que tiene veintitantos años. Él se resistirá… al principio.
Y así, a lo largo de 11 canciones, el primer acto hace el trabajo de primeros actos ambiciosos en todas partes: expandir el horizonte del programa al mundo más amplio en el que tiene lugar la acción (no es un mundo justo para los jóvenes neoyorquinos negros) y profundizar nuestra Conocimiento de los personajes principales a través del conflicto. También humor: Díaz –cuya hilarante obra de lucha libre profesional, “La elaborada entrada de Chad Deity”, fue finalista del Premio Pulitzer– salva la historia de demasiada seriedad. También hay que darle crédito a Greif, cuyo manejo constante del tono y la tensión logra dramatizar una historia que fácilmente podría haber sido demasiado interior.
Junto con Keys también resuelven, o al menos retrasan, muchos de los problemas de la máquina de discos. Al mantener un enfoque muy limitado en sólo unas pocas semanas de la vida de Ali, “Hell’s Kitchen” elige la posibilidad de una profundidad dramática sobre los aspectos más destacados de su carrera. Tampoco hay mucho endulzamiento: Keys parece bastante dispuesta a presentar su ambicioso sustituto como una adolescente hormonal inmune al sentido común, y Moon, de 21 años, es precozmente inteligente y valiente al ofrecer ese complejo retrato.
Lo más importante es que las canciones de Keys, incluso éxitos como “Fallin’”, “If I Ain’t Got You” y “No One”, encajan en la historia (y en la boca de una variedad de personajes) sin demasiada manipulación. Si no lo hacen, la situación se reconoce efectivamente. Cuando Ali finalmente pasa la noche con Knuck, justo a tiempo, justo antes de que las distintas historias se fusionen en un evento terrible al final del primer acto, la amiga de Ali, Tiny (Vanessa Ferguson), se enoja, porque se supone que esto es un Historia sin complejos centrada en la mujer. «¿El mundo es suyo porque ahora tiene un hombre?» se queja, interrumpiendo el éxito de 2012 “Girl on Fire”, aquí reutilizado como una alegre canción de “Estoy en la cima del mundo”. “¿Eso es lo que estamos haciendo?”
Por desgracia, «¿eso es lo que estamos haciendo?» Así me sentí en el momento en que comenzó el segundo acto. Como si a los creadores se les hubiera acabado el tiempo para la delicadeza (aunque Keys y Diaz han estado trabajando en “Hell’s Kitchen” durante más de una década), su ingenio se convierte en sermones a medida que la historia, especialmente la de Jersey, se vuelve borrosa. Su tensa relación con el padre de Ali, aquí un pianista de jazz aunque en realidad una azafata, presenta los signos característicos de un latigazo dramatúrgico. (Por otro lado, es interpretado por Brandon Victor Dixon, un afrodisíaco humano, vocalmente y de otro modo). Una discusión entre Jersey y Miss Liza Jane se siente igualmente inventada, hasta que se resuelve en un obvio giro de patetismo. Y a pesar de la habilidad de Bean, el amor de Jersey por su hija, el núcleo del programa, se pierde en el intento de complicarlo.
Las canciones del segundo acto siguen su ejemplo; No es casualidad que los tres nuevos que Keys escribió para la producción, todos buenos, estén en lo más alto del espectáculo. Y aunque los musicales bien estructurados suelen tener muchas menos canciones en la segunda mitad que en la primera para dar paso a las complejidades de la resolución de la trama, aquí hay la friolera de 14, que terminan de manera indulgente aunque inevitable con el himno neoyorquino de 2009 «Empire State of Mind». .” Como resultado, “Hell’s Kitchen” casi se convierte en lo que intentó evitar al principio: un hit dump.
Pero como esos éxitos lo son por una razón, todavía resulta placentero escucharlos. El canto, los arreglos y las orquestaciones (de varias manos, entre ellas Adam Blackstone, Tom Kitt, Dominic Follacaro y la propia Keys) son emocionantes, aunque extrañamente desequilibrados en el diseño de sonido de Gareth Owen. Los decorados de la escalera de incendios (de Robert Brill), las expresivas proyecciones (de Peter Nigrini), la iluminación saturada (de Natasha Katz) y el vestuario, a menudo hilarante, (de Dede Ayite) están todos listos para Broadway.
Espero que “Hell’s Kitchen” también lo sea. Por supuesto, muchos musicales hacen la transferencia sin resolver nunca los problemas del primer acto, y mucho menos los del segundo. Sería una pena aquí. Aunque no está perfectamente contado, el descubrimiento de Ali de que el arte es amor, con o sin el chico, es demasiado rico para no llegar a una audiencia más amplia, y a un millón más de chicas en llamas.
Cocina del infierno
Hasta el 14 de enero en el Public Theatre de Manhattan; publictheater.org. Duración: 2 horas 30 minutos.
